SET DE FILMAGEM

SET DE FILMAGEM

RED ONE

Luz de Cinema

Por Julio Xavier

Não sei por que ainda existe no meio publicitário, um preconceito inexplicado pelo uso do video. Coisa de país subdesenvolvido. Muitos do publicitários que assitiram a filmes como Colateral, ou Pequenos Espiões 1,2 e 3 sequer desconfiaram que foram gravados e não filmados. Isso há quantos anos atrás.

Hoje já temos no Brasil tecnologia mais moderna ainda, como a câmera digital RED equipada com lentes de cinema. Leiam este texto curioso, de 2007, a respeito da RED escrito por Fernando Caprio.

“Não sei se vocês já ouviram falar da Red One. A Red One é uma câmera de filmar que está sendo desenvolvida e promete resoluções HD absurdas, de 4,520 x 2540 pixels por 17.5 mil dólares. Desde que essa notícia surgiu na Internet, já aconteceu de tudo. Primeiro o protótipo foi roubado e foi oferecida uma recompensa de $100.000 para quem “achasse” e devolvesse. O mesmo foi então recuperado. Apenas recentemente, no entanto, foram divulgadas do que parece ser a versão final da câmera. Em uma conferência na NAB (National Association of Broadcasters), eles fizeram uma demonstração de um vídeo filmado com a tão famosa câmera. Esse vídeo foi disponibilizado na Internet com 1/4 da resolução. Vale apena dar uma olhada, pois a qualidade é incrível”

Acabo de dirigir para a Novagência a segunda leva de cinco filmes para o DETRAN de Goiás, feitos com essa câmera (entram no ar na próxima semana) fotografados pelo Walter Carvalho, com luz moderna e textura de película. Aliás ele também fotografou com a mesma camera o especial RIOBALDO E DIADORIM dirigido por Willy Biondani exibido recentemente pela TV Record.

ESCOLA DE CINEMA CUBANA

ESCOLA DE CINEMA DE CUBA

SELEÇÃO DE ESTUDANTES BRASILEIROS
PARA A ESCOLA INTERNACIONAL
DE CINEMA E TV DE CUBA

Anualmente ocorrem no Brasil, em locais previamente
divulgados, os exames de seleção para o curso regular
da Escola Internacional de Cinema e TV de San Antonio
de los Baños, Cuba.

Os candidatos brasileiros selecionados se
integrarão a um grupo multinacional de estudantes
da América Latina, Caribe, Estados Unidos e
Comunidade Européia.

Condições exigidas dos candidatos:

1) Nacionalidade brasileira.
2) Idade entre 22 e 28 anos.
3) Ter concluído pelo menos dois anos de estudos
universitários.
4) Responder às três provas escritas e, os aprovados
na prova escrita, à entrevista oral.
5) Conhecimentos de espanhol.
6) Os candidatos de todas as especializações deverão
apresentar materiais em cinema, vídeo, fotografia ou
artes gráficas nos que tenha participado como
realizador ou membro da equipe de produção; assim
como roteiros, trabalhos escritos, ensaios, publicações
que tenha produzido e que exprimam a sua sensibilidade
literária, consistência intelectual e cultura geral.
Os candidatos de Roteiro deverão apresentar
qualquer
material escrito (publicado ou inédito) ilustrativo
da
sua capacidade narrativa (roteiro, novela, conto,
etc). Os candidatos de Fotografia deverão apresentar
algum trabalho em foto fixa.
7) Pagamento da taxa de inscrição,

Os Exames:

A Escola Internacional de Cinema e TV oferece sete
especializações - Produção, Roteiro, Direção,
Fotografia, Documentário, Som e Edição - e os
candidatos devem optar por duas destas
especializações.

Em Belo Horizonte, o exame é realizado há seis anos
consecutivos.

Cada candidato responde as 3 provas escritas: uma
prova de conhecimentos gerais e duas provas
correspondentes às duas especializações que
escolheu.
Os candidatos aprovados nas provas escritas são
entrevistados no dia seguinte pela comissão
julgadora,
que realiza uma pré-seleção indicando os melhores
candidatos para cada especialização. O Conselho
Docente da EICTV, sediado em Cuba, faz a seleção
final.

A matrícula para os dois anos custou, em 2003, doze mil
dólares
(no primeiro ano cinco mil dólares e no segundo ano
sete mil dólares). A forma de pagamento do primeiro
ano é a vista (em setembro) ou em duas parcelas
(setembro e fevereiro).

Os estudantes que ingressam ao curso regular tem
direito a hospedagem em quartos individuais,
alimentação, transporte entre Havana e San Antonio
de
los Baños, assistência médica primária e de
emergência, material escolar e produção integral dos
trabalhos em cinema e vídeo.

As inscrições para os exames em Belo Horizonte podem
ser feitas pelo telefone (31)
3277-4869, pelo e-mail
provadecubabh2003@yahoo.com.br

CORAÇÃO VAGABUNDO

Por Leonardo Freitas

Em 2006, durante a turnê do álbum “A Foreign Sound”(único do cantor em inglês), o diretor Fernando Grostein Andrade documentou a passagem de Caetano Veloso por países como Brasil, Estados Unidos e Japão. A ideia era fazer um grande making of, porém o material bruto resultou em 57 horas de gravação e o resultado dessa edição pode ser conferido em Coração Vagabundo (2009), que estreia no país dia 24 de julho.

Revelando a intimidade do cantor e compositor baiano, o documentário acompanha incessantemente o músico durante a visita a cidades como São Paulo, Nova York, Tóquio e Kyoto, além de contar com a participação de cineastas como Pedro Almodóvar e Michelangelo Antonioni, da modelo Gisele Bündchen, da atriz Regina Casé e do músico escocês David Byrne.

Produzido por Paula Lavigne e Raul Doria, Coração Vagabundo se concentra em mostrar o reconhecimento de Caetano Veloso no exterior, dando margem para criar uma maior proximidade com sua vida íntima e profissional.

Percorrendo ruas e lugares dos países pelos quais passou, desvendamos certas curiosidades dessas culturas ao mesmo tempo em que suas declarações tocam em diversos temas, como cinema, MPB e a fama – tanto nacional como internacional. Inclusive, isso é visto nas pessoas que cruzam seu caminho fora do Brasil, reconhecendo-o pela sua importância histórica musical, seja nas ruas de Nova York ou, até mesmo, em um templo budista no Japão.

Com seu jeito naturalmente humilde, calmo e elegante, o filme é um deleite para os ouvidos, em que acompanhamos Caetano cantando em inglês, espanhol e italiano, sendo entrevistado por emissoras norte-americanas e se apresentando em locais como o Carnegie Hall, na qual dividiu o palco com David Byrne, grande admirador não só de Caetano, mas da música brasileira em si.

A intimidade com a ex-mulher Paula Lavigne também é retratada, exibindo um Caetano bem-humorado, brincalhão, com uma alma quase infantil algumas vezes. Tais registros são, em certos momentos, tomados por períodos de melancolia do artista, que interage boa parte do tempo com diretor e câmera, quase como um bate-papo com os espectadores. À vontade, Caetano discorre de assuntos mais complexos, como a impressão que as pessoas têm dele, de imaginarem que vão encontrar uma estrela inatingível quando, na verdade, ele é apenas um cara comum.

Mas o ponto principal do filme, acredito, é tratar da música (seja ela brasileira ou não) em relação ao mundo e ao próprio Brasil. Em uma declaração polêmica, Caetano afirma, por exemplo, que a música norte-americana é a mais importante do século 20. A declaração lhe rendeu uma crítica formal do músico Hermeto Pascoal, que discordou completamente de sua opinião.

Recheado de canções como “Proibido proibir”, “Michelangelo Antonioni” (música em italiano que Caetano dedicou ao cineasta), “O estrangeiro” e “Terra”, o filme conta com as internacionais “Blue skies”, “If it´s Magic”, “So in Love”, “Nothing but flowers”, além da canção que dá título ao filme, em versões interessantes e que misturam ritmos musicais como o reggae e pitadas de música eletrônica.

No entanto, Coração vagabundo perde pontos pela sua câmera frenética, que causa incômodo ao espectador, com imagens tremidas que ultrapassam o suportável. Nos quesitos favoráveis, temos a proximidade com o músico, a escolha musical da trilha e, especialmente, as considerações de Caetano sobre essa não-aceitação dos estrangeiros em relação à música popular brasileira (que existe, mesmo não sendo explicitada no documentário).

Simples, com uma boa edição e musicalmente interessante, Coração Vagabundo merece ser conferido.

4º FESTIVAL DE CINEMA DO PARANÁ

Da esquerda para direita (alto) - Beto Rodrigues da Panda Filmes Distribuidora, Paulo Nascimento (diretor) e Fernanda Moro (atriz) do longa metragem hors concours "Em Teu Nome" , Franc Planas (distribuidor) do curta metragem "Porque Há Coisas Que Nunca Se Esquecem", Claudio Valentinetti (curador) Mostras "Eros Inteligente" e "Pietro Germi", Beto Schultz (diretor) e Dany Olliveira (atriz) do longa "Um Dia de Ontem", Sylvia Abreu (produtora), Fernando Belens (diretor) do longa "Pau Brasil", Monica Rischbieter e Gil Baroni (diretores) do longa "Brasil Santo - Retratos da Fé", Laurinha Delcanale (produtora) do curta "Inverno", Teresa Prata (diretora) do longa "Terra Sonâmbula", Silvio Tendler (diretor) e Fabiana Tendler (produtora) do longa "Utopia e Bárbarie", Thiago Luciano (diretor) e Lucy Ramos (atriz) do longa "Um Dia de Ontem". Da esquerda para direita (baixo) - Pablo Siciliano e Eugenio Lasserre (diretores) do longa "O Bosque", Tonchy Antezana (diretor) do longa "Cemitério dos Elefantes", Daniela Escobar (presidente do Júri de Curtas), Ittala Nandi (realizadora do Festival), Juan Moreno (produtor) do curta "Socarrat", Bertrand Duarte (ator) do longa "Pau Brasil", Felipe Pipo Grytz (produtor trilha sonora) do curta "Monkey Joy, Caco Ciocler (ator) e Marina Previatto (diretora de arte) do longa "Um Dia de Ontem".

FILMES BAIANOS SÃO PREMIADOS NO FESTIVAL DE CINEMA DO PARANÁ

Doido Lelé

Pau Brasil

Duas produções baianas foram contempladas no 4ª Festival do Paraná de Cinema Brasileiro Latino.

O longa "Pau Brasil", dirigido por Fernando Beléns, ganhou em três categorias: Melhor Ator (Bertrand Duarte), Melhor Atriz Coadjuvante (Fernanda Belling e Milena Flick) e Melhor Direção de Arte (Moacyr Gramacho).

Já o curta-metragem "Doido Lelé", escrito e dirigido pela jornalista e cineasta Ceci Alves, levou o prêmio de Melhor Ator (Vinícius Nascimento).


Veja a lista completa de vencedores do 4º Festival do Paraná de Cinema Brasileiro Latino:

Vencedores do prêmio Araucária de Ouro na categoria longa-metragem:

Melhor Direção (R$ 110 mil) – Silvio Tendler, "Utopia e barbárie"

Melhor Filme (R$ 80 mil) – Teresa Prata, "Terra sonâmbula"

Melhor Ator (R$ 8 mil) – Bertrand Duarte, "Pau Brasil"

Melhor Atriz (R$ 8 mil) – Grazia Cesarini Sforza, Marina Cacciotti, Maria Cali e Valeria De Franciscis, "Almoço em agosto"

Melhor Ator Coadjuvante (R$ 5 mil) – Fernando Peredo, "Cemitério de elefantes"

Melhor Atriz Coadjuvante (R$ 5 mil) – Fernanda Belling e Milena Flick, "Pau Brasil"

Melhor Roteiro (R$ 8 mil) – Teresa Prata, "Terra sonâmbula"

Melhor Fotografia (R$ 8 mil) – Pablo Alberti e Pablo Yannielli, "O bosque"

Melhor Direção de Arte (R$ 8 mil) – Moacyr Gramacho, "Pau Brasil"

Melhor Trilha Sonora (R$ 8 mil) – Monica Besser e Felipe Prazeres, "Um dia de ontem"

Melhor Som (R$ 8 mil) - Eugenio Lasserre, "O bosque"

Melhor Montagem (R$ 8 mil) - Bernardo Pimenta, "Utopia e barbárie"


Vencedores do prêmio Araucária de Ouro na categoria curta-metragem

Melhor Direção (R$ 15 mil) – Lucas Figueroa, "Porque há coisas que nunca se esquecem"

Melhor Filme (R$ 10 mil) – Lucas Figueroa, "Porque há coisas que nunca se esquecem"

Melhor Ator (R$ 3 mil) – Vinícius Nascimento, "Doido Lelé"

Melhor Atriz (R$ 3 mil) – Milena Toscano, "Inverno"

Melhor Roteiro (R$ 3 mil) - David Moreno, "Socarrat"

Melhor Fotografia (R$ 3 mil) – Juan Hernández, "Socarrat"

Melhor Montagem (R$ 3 mil) – Lucas Figueroa, "Porque há coisas que nunca se esquecem"

Melhor Direção de Arte (R$ 3 mil) - Lucas Figueroa, "Porque há coisas que nunca se esquecem"

ENSAIO SOBRE A SEGUEIRA

Cena do filme Ensaio sobre a Segueira

Por Beto Magno

José Saramago, autor laureado com o Prêmio Nobel de Literatura, vetou inúmeras tentativas de adaptação de sua obra Ensaio Sobre a Cegueira, alegando que "o cinema destrói a imaginação".

O autor português não deixa de ter razão: ao assistir a uma adaptação de qualquer obra para as telas é inevitável que as imagens que você criou em sua mente sob a condução do texto deixem de existir, substituídas pela "realidade" filmada.

Por outro lado, é tentador observar o choque de criações, de visões, entre dois tipos de criadores - o contador de histórias textual e o visual. Ainda mais quando se trata de um cineasta que não teme o estilo e sabe usá-lo, como Fernando Meirelles (Cidade de Deus). Assim, gosto de acreditar que esse foi um dos motivos pelos quais Saramago finalmente cedeu: a curiosidade de ver outro grande talento dando sua visão particular a uma obra pré-existente.

Meirelles não decepciona. O filme Ensaio Sobre a Cegueira (Blindness, 2008) tem visual esmerado, resultado do que aparentam ter sido muitas (e longas) conversas sobre como se representa a cegueira para o público, capaz de ver. A resposta vem em três frentes. Além da direção de Meirelles há a soberba fotografia de César Charlone (que além dos dois mais recentes filmes de Meirelles fez também O Banheiro do Papa) e a edição irretocável e inspiradíssima de Daniel Rezende (Cidade de Deus, Tropa de Elite).

A trama narra uma inexplicável epidemia de cegueira e se passa em grande parte dentro de uma estrutura de confinamento para os que perderam a visão. Nos claustrofóbicos interiores, o Ensaio Sobre a Cegueira do trio vale-se de superexposição, foco e abstracionismo sensível, mas usando apenas variações tonais dessaturadas que levam ao branco, com surpreendente resultado. Nos vazios exteriores do terceiro ato, um amálgama urbano formado por partes de São Paulo e Montevidéu, encontramos outro tipo de contraste e, enfim, o preto - na seqüência mais "cega" do filme, excepcional.

Em uma nota menos positiva, o livro é mais sujo, chafurda, literalmente, mais em excrementos, em degradação. Mas, convenhamos, o filme nem poderia ser tão grotesco. Um violento estupro coletivo, uma imundície física e psicológica, já é suficientemente difícil de ser imaginado. Não precisa de representação gráfica explícita. De qualquer maneira, as situações não são minimizadas, mas sua representação emprega a cinematografia para ficar menos agressiva.

Técnica à parte, o roteiro adaptado por Don McKellar (que também atua como o Ladrão) é bem-sucedido ao manter os principais elementos do difícil livro intactos, sem escorregar para o horror comercial, uma das maiores preocupações de Saramago. Seria muito fácil transformar o livro em um filme de zumbi convencional, já que a obra original, como nas melhores produções do gênio da metáfora social George A. Romero, usa o inexplicável para experimentar com as reações humanas ante a falta de ordem. Ensaio sobre a Cegueira parte dos mesmos princípios, mas oferece vários outros - e o ótimo elenco, liderado por Julianne Moore (a Mulher do Médico) e Mark Ruffalo (o Médico), cuida para deixar a desumanização sob controle. Não há monstros ali, apenas pessoas e seus extremos.

Cabe aqui também uma última defesa do filme, que dividiu a crítica e gerou algumas pérolas incompreensíveis de gente normalmente bastante coerente (o que, particularmente, acho formidável). Para ficar em apenas um caso, um crítico britânico escreveu "não há espaço para a meditação, o que é um desastre para um fime cuja história pede que a sociedade recoste-se, respire e 'veja' o que está fazendo consigo mesma". Bobagem - o tempo de recostar-se já passou. Enérgico, Meirelles joga a merda na cara, e que choraminguem os modorrentos.

CURSO DE INTERPRETAÇÃO PARA TV E TELEJORNALISMO

CURSOS DA CAP ESCOLA DE TV EM SALVADOR

1) CURSO DE INTERPRETAÇÃO PARA TV / TELEJORNALISMO em Salvador (atores, jornalistas, comunicadores em geral) com Rada RezedaConteudo:

Dicção (respiração/voz/fala); Expressão corporal; Memorização e interpretação de textos ;Gravação; Noções sobre set de filmagem, direção de fotografia e mercado de trabalho.No 5º mês de curso é gravado um vídeo com a turma que fará parte do projeto "Baianos que Brilham". INICIO OUTUBRO – toda quarta-feira das 19 as 22h LIGUE :(71) 9167.82742)

2) CURSO DE ROTEIRO em Salvador DIAS: 16,17,18,19 e 20 de Novembro VALOR: R$ 350,00 (2x de R$150,00) A vista R$ 300,00 PROFESSORA: Marlu Chaves (mestre em teledramaturgia) OBS: OS ALUNOS QUE TIVEREM SEUS ROTEIROS PRODUZIDOS EM CURSO APROVADOS PELA PROFESSORA SERÃO CONVOCADOS A ESCREVER PARA O PROGRAMA ABRAKAM QUE ESTRIA EM BREVE NA TV BRASIL. NA ULTIMA TURMA, DE AGOSTO, A PROFESSORA APROVEITOU 2 ALUNOS PARA ESCREVER PARA O ABRAKABAM.

3) CURSO DE PRODUÇÃO E DIREÇÃO PARA TV em Salvador (turma para iniciantes) TURMA PARA A SEGUNDA QUINZENA DE JANEIRO reservas de vagas antecipadamente atraves do mail capescoladetvemsalvador@gmail.com assunto: reserva curso de produção e direção VALOR: R$ 300,00 (a vista R$ 260,00) PROFESSOR: Rada Rezedá e professor convidado da área LIGUE: (71) 9167.82744)

4)CURSO DE LOCUÇÃO em Salvador TURMA PARA A SEGUNDA QUINZENA DE JANEIRO reservas de vagas antecipadamente atraves do mail capescoladetvemsalvador@gmail.com assunto: reserva curso locução VALOR: R$ 300,00 ( a vista R$ 260,00) PROFESSORES: Rada Rezedá e Jai Luna

5) OFICINA PARA CINEGRAFISTA em Salvador (turma para iniciantes) TURMA PARA A SEGUNDA QUINZENA DE JANEIRO reservas de vagas antecipadamenteatraves do mail capescoladetvemsalvador@gmail.com assunto: reserva curso cinegrafista VALOR: R$ 250,00 a vista ou 2x R$ 150,00

DO PONTO DE VISTA NA ESTRUTURA DO FILME

Por André Setaro

O ponto de vista adotado pela narrativa fílmica é sempre – e simultaneamente – objetivo e subjetivo, nunca redutível a uma única perspectiva por causa da dupla e concomitante ação realista e irrealista do cinema. O que não exclui, em todo caso, a hipótese de a narrativa abraçar uma ótica em detrimento de outra em relação ao desenvolvimento global da narração. Um filme, portanto, nunca pode narrar um acontecimento inteiramente visto de dentro – a coisa que o romance pode fazer, mas tem a necessidade de recorrer a um ângulo de observação que permita unificar a matéria representada a fim de não gerar confusões de perspectiva. No filme-ensaio (vide Meu tio da América/Mon oncle d’Amerique, 1979), do imenso Alain Resnais, que esteve em cartaz recentemente com Medos privados em lugares públicos (Coeurs), esta ótica se identifica com a do autor que seleciona e ajuíza. No filme de ficção, esta ótica segue o olhar de um dos protagonistas, procurando, no entanto, não se confundir completamente com ele.

A perspectiva da câmera é diferente da do olho humano e, como demonstram inúmeros filmes, a lente pode ocupar o olhar de um gato (Um dia, um gato, filme tcheco no qual, em alguns momentos, tem-se a perspectiva do olhar do gato que vê as pessoas de uma localidade segundo o seu caráter, dando-lhes as cores correspondentes). O objeto focalizado também pode ser totalmente deformado – e, nesse particular, o expressionismo alemão é farto de exemplos – O Gabinete do Dr. Caligari, 1919, de Robert Wiene, Nosferatu, o vampiro, 1922, de Friedrich Murnau, etc. Em Cidadão Kane, 1941, de Orson Welles, filme com forte influência expressionista, o cineasta usa tetos baixos para dar uma dimensão insólita aos personagens e, na sequência do palácio de Xanadu, Susan Alexander, a mulher de Kane, é vista em pequena silhueta diante de uma gigantesca lareira. Dentro da mesma obra, um jogo tipo quebra-cabeça – um puzzle que, no final das contas, é a própria chave para a compreensão da obra – tem suas peças em dimensão enorme. Welles, nestes casos, deforma os objetos com a lente com um propósito estético contextual.

Henri Angel, ensaísta francês, acha que o ponto de vista de um filme deve ser sempre o que é adotado pelo cineasta, quer este decida ver o mundo através dos olhos de um dos protagonistas, quer decida manter-se o mais possível exterior à ação narrada. Um caso de identificação autor-personagem é representado por O deserto vermelho (Il deserto rosso, 1964), de Antonioni, onde a realidade é vista pela câmera não como efetivamente é mas como se apresenta aos olhos do protagonista.

Outro caso de identificação autor-personagem está representado em Repulsa ao sexo (Repulsion, 65), de Roman Polansky, onde os pesadelos da protagonista (Catherine Deneuve), apresentados como objetivos, não são mais que o fruto da personagem psicopata, uma manicure sexualmente reprimida que se isola em seu apartamento e vai enlouquecendo.
No polo oposto situam-se, pela sua objetividade extrema, filmes como Nashville, de Altman, uma crônica de cinco dias da vida de uma cidade no Tennessee, Nashville, na hora do show business e de uma campanha eleitoral que serve como um testemunho à beira do desespero sobre os Estados Unidos contemporâneos. Também Lancelot, de Robert Bresson, e Nicht Versohnt, 65, de Jean-Marie Straub, obras centradas numa radical objetividade e construídas de modo a esvaziar qualquer identificação personagem-espectador e, também, redutíveis ao ponto de vista exclusivo do realizador onisciente.

Existem também filmes nos quais os pontos de vista são contraditórios ou contrastantes entre si. Rashomon, 1950, de Akira Kurosawa, filme que projetou o cinema japonês no mercado internacional, é um exemplo bem marcante. A fábula se passa no século XV numa floresta perto de Tóquio, quando um bandido afirma que matou um samurai depois de violentar a mulher dele. A mulher, porém, diz que foi ela quem matou seu próprio marido. Surge, então, a alma do morto que conta a todos, estupefatos, como se suicidou. Mas um açougueiro que a tudo ouvia, dá uma quarta versão. Em Rashomon, portanto, são fornecidos três pontos de vista diferentes do mesmo fato, todos igualmente espectáveis, até emergir deles um quarto que é o verdadeiro.

Há o caso de a ação ser contada por um morto que relata do além a sua história trágica – não existem nem realizador oculto nem personagem visível. É o que acontece em Crepúsculo dos deuses (Sunset Boulevard, 1950), de Billy Wilder, no qual o encenador protagonista conta da sua situação de defunto, o como e porque de sua morte devida à atriz famosa da qual tinha sido hóspede. A ex-estrela é Glória Swanson que, vivendo esquecida num suntuoso palácio antiquado de Hollywood, acompanhada de seu fiel criado (Erich von Stroheim), contrata um roteirista fracassado que se torna seu amante e que ela mata quando ele se recusa a continuar a relação.

ATORES NO ESTUDIO DA CAP ESCOLA DE TV EM SALVADOR

Talis Castro, (Ator) Rada Rezedá (Diretora da Cap Escola de Tv em Salvador, Rafa Medrado (Ator "Os Cafajestes") e Ewerton Matos ( Ator, Locutor da Globo FM)

NOVA OFICINA

A nova Oficina Elementos de Apreciação Cinematográfica, por circunstâncias alheias à vontade de seu organizador (o autor deste blog), tem seu início adiado para 4 de novembro. Com isso, o seu término fica marcado para 16 de dezembro, mas, para não entrar nas festas de fim de ano, a última aula, a oitava, fica para o dia seguinte, 17. Excetuando-se esta, todas as aulas devem ser realizadas às quartas, das 20 às 22 horas, na EngenhArt, molduraria que fica localizada na rua da Paciência, perto do Largo de Santana, bairro do Rio Vermelho. Para a efetivação das inscrições, os interessados devem fazer um depósito de 250,00 (duzentos e cinquenta reais) na conta 648.427-1, agência 3457-6, Banco do Brasil, em nome de ANDRÉ OLIVIERI SETARO.

FICÇÃO NO SERTÃO DA BAHIA

"A LENDA DA LAGOA VERMELHA"

Tive a oportunidade de estar presente no lançamento do curta-metragem “A Lenda da Lagoa Vermelha” do diretor baiano Eutímio Carvalho (mais conhecido como o Zé do Caixão do Sertão) que ocorrida no dia 23/05 às 20:00 horas na Sala Walter da Silveira nos Barris. O filme que é uma produção do próprio Eutímio e do Produtor Cinematógrafico Jorge Mello (JM) do Pólo de Cinema da Bahia, tem aproximadamente 30 minutos e conta em seu elenco com o ator pernambucano Jorge Baía, os atores baianos Ed Almeida (Almeidinha), Arinaldo Silva e o próprio Eutímio Carvalho.Sinopse: Dois irmãos saem para caçar em pleno sertão baiano sem levar em conta o aviso da mãe sobre uma lenda da região que diz que não se deve caçar no mês de agosto.

No caminho, se perdem e começam a perceber que terão de lutar muito por suas vidas.

Ficha Técnica:

Direção: Eutímio Carvalho

Roteiro: Eutímio Carvalho e Luiz Augusto

Argumento: Eutímio Carvalho (baseado em lenda popular)

Produção: Eutímio Carvalho e Jorge Mello (JM)

Fotografia e Câmera: Walter Freire Casting: 4-0-2 Produções Artísticas

Onde: Sala Walter da Silveira Dia: 23/05 (quarta-feira) Hora: 20:00 Entrada Franca (Projeto Quartas Baianas) Duda Falcão Produtor de Elenco.

ZUZU ANGEL

Zuzu Angel

Direção: Sérgio Rezende

por Livia de Almeida Nascimento

Zuzu Angel foi sem dúvida uma daquelas mulheres fortes que marcam toda uma geração. Sua história envolve fatos políticos graves e ela pôde, mediante o sumiço do filho, usar seu trabalho para combater problemas que todo brasileiro desejaria não ter. Não é difícil perceber então como pôr na telona parte da biografia de alguém que se destaca é algo delicado, devendo ser cuidadosamente estudado para que não falte credibilidade no filme. Toda a pesquisa é essencial e os demais aspectos cinematográficos devem estar em sincronia, porém como o que mais aparece é o que os atores defendem em cena, atenção especial deve ser dada à humanização dos fatos frente às câmeras.

Na maior parte do tempo, o que constrói o suspense de Zuzu Angel é a trilha sonora, não a atuação. Só vemos Patrícia Pilar de fato quando Zuzu se exalta, mas infelizmente antes disso os diálogos são construídos demais, faltando emoção à maioria dos personagens. Daniel de Oliveira também só aparece como Stuart ao chorar dizendo que Sônia foi presa, enquando Leandra Leal faz seu papel de forma expressiva desde antes, contrastando com o namorado. Quem se destaca nesse meio é Alexandre Borges, que imprime no advogado Fraga a paixão que não foi instruída ou permitida aos atores e que falta, por exemplo, na cena em que Zuzu pega o microfone no avião para falar do filho. Aliás, inclusive entre os dois isso é bem perceptível: no baile, Fraga é tão mais convincente que mesmo quando avisa que vai falar de Stuart, o espectador fica vidrado nele, enquanto é a expressão facil de Zuzu que muda.

O roteiro é bom, mas Zuzu declarar o que escreve de forma forçada para a câmera já indica que há ali uma dose extra de intenção dramática. Parece funcionar como um risco mal calculado, pois ilude o espectador a esperar ver a mesma intensidade ao longo do filme. Falta informação visual também, como quando vemos que na construção da trama, Zuzu vai em apenas dois lugares à procura do filho e isso basta para que ela tome providências maiores, alegando que a “todos os lugares” que vai, não encontra Stuart.

Há ainda escolhas duvidosas, como a imagem da água descendo pela mão de Zuzu, que toma banho ao saber da morte do filho, tornando visualmente bonita uma cena de total tortura para a personagem. Porém, há boas sacadas, como a presença de Elke Maravilha cantando em alemão, sendo observada por Luanna Piovanni, que interpreta seu papel Ou o desfile em que todas as modelos estão de branco, enquanto Zuzu aparece de preto. Isso, no entanto, tem cara de ter sido uma verdade bem bolada por ela, mais do que idéia de cinema. Além disso, a música nessa hora não é tão bem vinda, e o silêncio presente em outras partes do filme seria melhor nessa cena.

A equipe é experiente em cinema, e os mais de 40 cenários do filme estão bem representados, sendo parte gravado em Juiz de Fora (MG), aproveitando por exemplo a locação da UFJF para construção de vários espaços. O figurino e a maquiagem tiveram grande base de pesquisa no próprio trabalho de Zuzu, prato cheio que colaborou imensamente para a estética do filme, culminando em reuniões entre Sérgio, o produtor Joaquim Vaz Pereira, a figurinista Kika Lopes e o diretor de arte Marcos Flaksman para pensar visualmente o roteiro. Patrícia Pillar conta que aprendeu a costurar, ficando em Juiz de Fora direto para aprofundar a personagem, estudá-la e talvez racionalizá-la até demais. Sérgio pretendia contar a história de mãe e filho, mas só entendemos isso assistindo ao Making Of, pois o foco a todo momento parece ser Zuzu. O Extra do DVD acrescenta qualidade ao trabalho pelo cumprimento simples de sua função, apresentando entrevistas, cenas espontâneas de gravação, fotos e um mosaico com a imagem dos atores, de onde cada um fala um pouco.

Uma história forte, com bons atores e texto, mas que é mostrada de forma quase artificial, onde o potencial criativo do elenco não parece ter sido explorado. É como se Sérgio tivesse que ser lembrado do valor dos atores, cedendo espaço a eles mais do que realmente dirigindo a cena. Mesmo sutilidades e ironias de seu roteiro junto com Marcos Bernstein passam por vezes desapercebidas pelas falhas de sensibilidade ao fazer o filme. Zuzu Angel provavelmente foi mais forte em vida do que na sua representação, assim como fica no ar que a leitura em grupo com todo o elenco antes da filmagem tem grande chance de ter sido dramaticamente melhor do que o resultado final.

EXPRESSO BAIANO

Esse é o Caminhão que transporta os Equipamentos Cinematográficos da equipe do Expresso Baiano...

CAP ESCOLA DE TV EM SALVADOR

Rada Rezedá e alunos da Cap Escola de Tv em Salvador

CURSOS PARA TV DA CAP ESCOLA DE TV EM SALVADOR

CAP ESCOLA DE TV EM SALVADOR oferece os cursos:

1) CURSO DE INTERPRETAÇÃO PARA TV E CINEMA EM SALVADOR

2) CURSO DE TELEJORNALISMO EM SALVADOR

3) CURSO DE LOCUÇÃO EM SALVADOR

4) CURSO PARA CINEGRAFISTA EM SALVADOR

5) CURSO DE ROTEIRO EM SALVADOR

ESSSES CURSOS PARA TV ESTÃO COM MATRICULAS ABERTAS PARA 2010.

CURSO PARA APRESENTAÇÃO EM AUDITÓRIO EM SALVADOR

CURSO DE INTERPRETAÇÃO PARA TV E CINEMA EM SALVADOR

CURSO DE TELEJORNALISMO EM SALVADOR

CURSO DE LOCUÇÃO EM SALVADOR

CURSO PARA CINEGRAFISTA EM SALVADOR

CURSO DE ROTEIRO EM SALVADOR

OS TELEFONES DA CAP ESCOLA DE TV EM SALVADOR SÃO:(71) 9167.8274 / 8774.8870 / 4102.6852 ou 8142.4182OU PODE ENVIAR UM MAIL: capescoladetvemsalvador@gmail.com

Tuna e Cajaíba, "o fazendeiro do ar"

Tuna Espinheira no Museu Cajáiba em Vitória da Conquista

Por André setaro

Tuna Espinheira, cineasta baiano, realizador de Cascalho, seu primeiro longa, e mais de duas dezenas de curtas, acaba de voltar de Vitória da Conquista, cidade interiorana da Bahia que realiza todos os anos, nesta época, um exitoso festival de cinema. Tuna não perde tempo e está sempre antenado com as últimas da cinematografia. Ele me informou que O cisne também morre, filme de 1982 que assinala sua primeira incursão no terreno ficcional, foi encontrado. Digo isso, porque, modéstia à parte, tive a honra de ser um dos atores do filme. Vou transcrever, aqui, a mensagem que recebi do realizador.
"Velho, (sim estou velho, pois a fazer, hoje, 59 primaveras - nota de AS)
"Estive na V Mostra Conquista de Cinema, aproveitei para visitar o museu ao ar livre, concebido, trabalhado, pelo artista plástico, CAJAIBA. Nesta foto estou à beira do túmulo do próprio Cajaiba. Ele conseguiu ser enterrado no cenário em que sempre expos as suas esculturas. Outrora foi um ponto de grande afluxo de visitantes, turistas,artistas, gente das mais variadas espécies. Hoje sobrevive a duras penas, à mercê do abandono do poder público, resistindo graças a dois dos seus filhos, abnegados, cuidando, como podem, daquelas peças, um mostruario de vultos históricos, em tamanho natural, esculpidos em cimento e ferro.
Estou recuperando o filme que fiz, décadas atrás, quando ainda vivia o escultor. Com a parceria dos fotografos, Carlos Rizério (hoje morando em Conquista) e Claude Santos e mais um grupo da comunidade conquistense, planejamos, em tempo, o mais breve possivel, fazer uma exibição, no próprio local, do filme, Cajaiba... Lição de Coisas... O Fazendeiro do AR. A idéia é chamar a atenção sobre o sítio artístico ao Deus dará, com o objetivor de recuperar os estragos imposto pelo tempo e abandono. Caso o referido filme possa vir a ajudar neste sentido, teremos uma cinematografica chance de brindar este acontecimento."
CAJAÍBA, LIÇÃO DAS COISAS...O FAZENDEIRO DO AR foi fotografadopor Antonio Luis Mendes Soares. Roteiro, Montagem, Direção, Tuna Espinheira. Narração de Fernando Coni Campos. Ano de produção: 1976. P&B. 13m.
Forte abraço, Tuna

ARGUEIRO VELOSO PRODUTORES ASSOCIADOS

Chico Argueiro e Xeno Veloso (Expresso Baiano)

PONTO DE VISTA

Beto Magno e Xeno Veloso

CAP ESCOLA DE TV EM SALVADOR

Por Serge Daney

2 de Dezembro 1989 – Velho princípio da “nossa” cinefilia: o ponto de vista. Para mim, o ponto de vista é precisamente o que vem no lugar de um corpo que é elidido na imagem, o que pode ser visto do ponto cego. O ponto de vista refere-se ao que pode ser visto por um personagem que estaria sempre no lugar da câmera. Persistir com esse ponto de vista diretamente significa confrontar problemas de mise en scène (desde que haja imagens proibidas, o que não seria consistente com o ponto de vista único). A questão do “ponto de vista” vem para perguntar quem está olhando. Quem é o personagem adicional? Por exemplo, no filme de Depardon, outro guarda, o guarda “que saberia”. O cinema do ponto de vista único está desaparecendo/ausentando-se (em ambos sentidos do termo) em sua (mística, pictória) relação com o “real”. Ele abole a si mesmo. Ele nunca teve muito sucesso, visto que confisca para si mesmo o imaginário (e priva a audiência disto: Antonioni, Depardon). Obsessivo.

O cinema do ponto de vista duplo é o cinema popular por excelência, visto que este acampa firmemente entre o plano e o contraplano (leia o livro de Warren), bancando o “pequeno objeto a” ( petit objet a) entre dois objetos capturados numa luta de forças (veja minha velha idéia sobre Tubarão: o tubarão e a perna da criança). É popular porque cria uma identificação vertiginosa entre dois pólos: ativo/passivo, caçador/caça, torturador/vítima, etc. Histeria.

Isto deixa o cinema com n pontos de vista; no fim, é isso o mais importante. Algumas vezes é popular, mas não necessariamente. Ele tem que brincar/fazer malabarismo com a paranóia, a lei, a loucura. Não consigo imaginar um filme melhor que The Night of the Hunter nessa categoria, a categoria da polifonia, do carnaval (talvez junto com Ivan o Terrível, 2001, alguns filmes de Ford).

Tiebreak (set de desempate): o cinema sem nenhum ponto de vista é possível? Não. Nós teríamos que analisar televisão não com metáforas visuais mas táteis (“ponto de toque”, acolchoamento tátil) e proxêmica1.

23 Julho 1988 – DEMY (tv). O fim de Duas Garotas Românticas. Estúpido, devastado, emoção definitiva. Uma emoção tão forte que tudo que eu sempre pensei – e escrevi – sobre Demy continua verdadeiro. Um cineasta difícil, não completamente sentimental, mórbido e alegre.

Só uma “idéia”. Melancolia não é nostalgia. O mundo de Demy (o meu também, suponho) é melancolia instantânea. Não há mundo perdido, nenhum ideal que se foi, nenhum estado prévio pelo qual nos lamentamos. Pela simples razão (perversion oblige 2) que não queremos saber nada desse mundo “do qual viemos” (mais aliança do que parentesco, etc). Melancolia é instantânea como uma sombra. Coisas se tornam melancólicas imediatamente, graças à música e à música do diálogo. É a boa disposição ( good mood) com a qual os personagens falham em tudo (exceto talvez no essencial) que é terrível e comovente ao mesmo tempo. Um não falha nas coisas porque não as vê mas porque ele descobriu muito rapidamente um jeito de esvaziá-las do seu conteúdo, de circular ao redor delas, de dançar. Darrieux descobre quem é o sádico e diz: “E ele comandava tudo enquanto cortava o bolo!”

O essencial era o amor mas este seguiu perdendo suas cores. Já nesse filme a beleza do “último minuto” porque todo final feliz é puro voluntarismo. Porém, mais tarde (Pele de Asno, etc) este se atrita mais e mais. E voluntarismo é precisamente o assunto de Une chambre en ville.
A força absoluta de Demy é relacionar tudo de um ponto de vista perfeito: o da mãe. A mãe que nunca cresceu, que é frívola, que esqueceu de parar de ser uma garotinha. O mundo é organizado a partir desse ofício cego

A dançar: Gene Kelly.

26 Março 1988 – Ontem, entre a tarde e a noite, em frente à TV. Abandono rapidamente 8 ½, mesmo que nunca o tenha visto, mas me exaspera e me pego assistindo até o fim um filme que objetivamente acho mal feito, mal contado, mal tudo: O Veredicto de Sidney Lumet. Esquizofrenia da televisão: nós não só assistimos o que não é bom (não é bem feito), mas nós vemos até melhor do que no cinema (edição, por exemplo), e mesmo assim nós preferimos ver um filme mal feito do que um bem feito. Ou ainda: os conceitos de “bem feito” e “mal feito” não são relevantes na televisão. Ou o filme tem uma força tamanha que se impõe ou nós estamos na relatividade de um mundo de imagens, numa banheira do imaginário, onde tudo é interessante. Isso depende do clima do momento.

Ontem eu preferi assistir Mason e especialmente Newman compondo com idade, com tudo. Lumet é o arquetípico cineasta que filma do ponto de vista de ninguém, portanto com uma eficiência abstrata, tão abstrata que é reduzida ao nonsense de roteiro. Ele acelera quando não há razão pra isso. Um belo momento. Newman finalmente encontrou a enfermeira que “sabe” o que aconteceu. Ela cuida de crianças em Chelsea. Ela tem uma bela face de santa de sindicato. Ela está no playground; Newman, que chegou de Boston, está abordando-a desajeitadamente. Close-up no bilhete Boston-Nova Iorque, que cai de seu bolso. E lá, um pequeno truque do velho Lumet, um pouco da verdadeira velocidade: contracampo em Newman que não está mais aparecendo: "Você vai me ajudar?" Ela vai ajudá-lo, não porque o roteiro exige isso, mas porque nós fomos colocados no lugar dela (pela mise en scène) e ela no nosso, e porque o desejo de que ela o ajude foi inscrito no filme. Coisas velhas mas existentes, pelo amor de Deus!

O exemplo do filme de Lumet, uns dias atrás (“Você vai me ajudar?”) soma tudo isso. É impuro ( ou pouco refinado) mas suficiente. O plano de Newman – de um Newman que pede ajuda e pede duas vezes: para o outro personagem (off) e a mim que – por um instante – fui capaz de me colocar no filme no lugar desse personagem ausente da imagem. E ele será ajudado duas vezes: no roteiro e por mim (neste momento, eu aceito seguir com o filme, e então fazê-lo funcionar).

Notas:

1.O termo proxêmico foi cunhado pelo antropologista Edward T. Hall em 1966. Consiste no estudo de distâncias mensuráveis entre as pessoas à medida em que interagem. “Como a gravidade, a influência recíproca entre dois corpos é inversamente proporcional, não apenas ao quadrado de sua distância mas até possivelmente ao cubo da mesma”.

2.Paráfrase da expressão clássica em francês Noblesse oblige ( Nobreza exige, ou obriga), referindo-se a regras fundamentais e imprescindíveis de etiqueta. No caso, de perversão.

Traduzido do livro L'exercise a eté profitable, monsieur. Tradução original do francês para o inglês por Laurent Kretzschmar.

Traduzido do inglês para o português por Luan ales.

EXIBIÇÃO DO FILME EM MARACANGALHA

Ao som da orquestra de Maracangalha e com presença da Prefeita de São Sebastião do Passé Tania Portugal, alunos da Cap Escola de Tv em Salvador e muitos convidados se despediam no final da missa de 7º dia de Eremita Rosa e se encaminhavam para o local da exibição do filme "Cine Maracangalha" e do documentário sobre Berbert de Castro.

DOCUMENTÁRIO SOBRE BERBERT DE CASTRO

Tambêm foi exibido em Maracangalha o Documentário sobre a vida do "Samurai" Berbert de Castro.

CINE MARACANGALHA

Cap Escola de Tv em Salvador
O LOCAL ONDE FOI EXIBIDO O FILME ERA EXATAMENTE ONDE FUNCIONAVA O CINE MARACANGALHA, ESTAVA LOTADO PELA POPULAÇÃO DA VILA E FOI UMA VERDADEIRA FESTA A EXIBIÇÃO EM MARACANGALHA.

CINE MARACANGALHA

EXIBIÇÃO DO FILME "CINE MARACANGALHA" PARA CONVIDADOS EM MARACANGALHA

CARRINHO DE PAU 2

Linda cena, um take de 360º. Do filme "Carrinho de Pau" gravando em Ibotirama-BA

CARRINHO E PAU

Cena do filme " Carrinho de Pau" Gravado em Ibotirama _ BA

CURSO DE INTERPRETAÇÃO PARA TV E TELEJORNALISMO, LOCUÇÃO, CINEGRAFISTA, ROTEIRO em Salvador

Por Beto Magno

CURSO DE INTERPRETAÇÃO PARA TV / TELEJORNALISMO
(atores, jornalistas, comunicadores em geral) Com Rada Rezedá Conteudo: Dicção (respiração/voz/fala); Expressão corporal; Memorização e interpretação de textos;Gravação; Noções sobre set de filmagem, direção de fotografia e mercado de trabalho.No 5º mês de curso é gravado um vídeo com a turma que fará parte do projeto "Baianos que Brilham".INICIO: OUTUBRO – toda quarta-feira das 19 as 22h

CURSO DE INTERPRETAÇÃO PARA TV / TELEJORNALISMO

LIGUE:(71) 9167.8274

Filme de Almodóvar é o mais visto do Festival do Rio

Pedro Almodóvar

O filme mais visto do Festival do Rio 2009 não chega a ser uma surpresa, visto que seu diretor é um dos queridinhos do público. Abraços Partidos, novo trabalho de Pedro Almodóvar, foi o líder do ranking. Em seguida aparece a primeira surpresa: a comédia romântica (500) Dias com Ela, cujo diretor, Marc Webb, veio ao Brasil. O pódio é completado com o novo longametragem de Ang Lee, Aconteceu em Woodstock, que também abriu o festival deste ano.Confira abaixo a relação dos 15 filmes mais vistos no recém encerrado Festival do Rio:1 – Abraços Partidos2 – (500) Dias com Ela3 – Aconteceu em Woodstock4 – Bastardos Inglórios5 – Coco Antes de Chanel6 – Histórias de Amor Duram Apenas 90 Minutos7 – Tokyo!8 – Distante Nós Vamos9 – Sonhos Roubados10 – Nova York, Eu Te Amo11 – Matadores de Vampiras Lésbicas12 – Viajo Porque Preciso, Volto Porque Te Amo13 – Dzi Croquettes14 – Julie & Julia15 – O Desinformante!

Fonte: Adoro Cinema - Assessoria

CURSO DE INTERPRETAÇÃO PARA TV

Turma de adolecêntes da CAP Escola de Tv em Salvador

*CAP ESCOLA DE TV EM SALVADOR possui:

CURSO DE INTERPRATAÇÃO PARA TV E CINEMA EM SALVADOR
CURSO DE TELEJORNALISMO EM SALVADOR
CURSO DE LOCUÇÃO EM SALVADOR
CURSO PARA CINEGRAFISTA EM SALVADOR
CURSO DE ROTEIRO EM SALVADOR

CURSO DE INTERPRATAÇÃO PARA TV E CINEMA EM SALVADOR
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CURSO PARA CINEGRAFISTA EM SALVADOR
CURSO DE ROTEIRO EM SALVADOR

CURSO DE INTERPRETAÇÃO PARA TV E CINEMA, TELEJORNALISMO, LOCUÇÃO, CINEGRAFISTA, ROTEIRO em Salvador

Cap Escola de Tv em Salvador

* CURSO DE INTERPRETAÇÃO PARA TV / TELEJORNALISMO

(atores, jornalistas, comunicadores em geral) Com Rada Rezedá

Conteudo: Dicção (respiração/voz/fala); Expressão corporal; Memorização e interpretação de textos; Gravação; Noções sobre set de filmagem, direção de fotografia e mercado de trabalho. No 5º mês de curso é gravado um vídeo com a turma que fará parte do projeto "Baianos que Brilham".

INICIO: OUTUBRO – toda quarta-feira das 19 as 22h LIGUE:(71) 9167.8274

**CURSO DE ROTEIRO PARA TV (turma para iniciantes) com Marlu Chaves Conteudo: construção de narrativas ficcionais,construção de personagens,televisão e sua estética,a criança contemporânea e os elemntos narrativos que não podem faltar numa história,técnicas de roteiro com ênfase em teledramaturgia infantil.

OUTUBRO Valor: R$ 250,00 ( a vista 20% desconto ou 2x de R$ 125,00)

LIGUE: (71) 9167.8274

***CURSO DE LOCUÇÃO (turma para iniciantes) OUTUBRO PROFESSORES: Rada Rezedá e Jai luna VALOR: R$ 290,00 (a vista 15% desconto) LIGUE: (71) 9167.8274

***** CURSO DE PRODUÇÃO E DIREÇÃO PARA TV (turma para iniciantes) DIAS: 24,26 e 25 de outubro HORÁRIO: Sab das 14 as 18hDom das 9 as 13h e das 14 as 18 hSeg das 19 as 22 hVALOR: R$ 300,00 (a vista R$ 260,00) PROFESSOR: Rada Rezedá e professor convidado da área

LIGUE: (71) 9167.8274

***** CURSO PARA CINEGRAFISTA (turma para iniciantes)DIAS: 19, 20 e 21 de outubro VALOR: R$ 250,00 a vista ou 2x R$ 150,00

SET DE GRAVAÇÃO DO CURTA "PELO CONTRÁRIO"

Gravando!! Cap Escola de tv em Salvador

Vitória Magno e Tábita Chananda (alunas da Cap Escola de Tv em Salvador)

GRAVAÇÃO DO CURTA "PELO CRONTÁRIO"

Vitória Magno na CAP Escola de Tv em Salvador

Vitória Magno

Cap Escola de tv em Salvador

Set de gravação no Parque da Cidade Salvador-BA

Alunas da Cap Escola de Tv em Salvador

Cena do filme "Pelo Contrário" Parque da Cidade

GRAVAÇÃO DO CURTA "PELO CRONTÁRIO"

Gravação do curta "pelo contrário" com alunos da CAP Escola de Tv em Salvador

Xeno Veloso, Rada Rezedá e Beto Magno

Rada Rezedá e alunos da CAP Escola de Tv em Salvador

Cap Escola de Tv em Salvador

Set de gravação no Parque da Cidade...

Beto Magno e Rada Rezedá em Maracangalha

Beto Magno

Rada Zaverutcha Rezedá ( Atriz, Apresentadora de Tv e Diretora da Cap Escola de Tv em Salvador)

Talis Castro, Rada Rezedá, Rafa Medrado e Ewerton Matos na Cap Escola de Tv em Salvador

Rafa Medrado (Ator e aluno da Cap Escola de tv em Salvador) e Beto Magno

O CINEMA

Beto Magno

A palavra cinema origina-se do cinematógrafo (invenção dos irmãos Lumière), que vem do grego "kinema", movimento e "ghaphein", registrar. Cinema significa registro do movimento, e pode ser definido como a arte de produzir imagens em movimento.

Entretanto, o cinema é antes de tudo uma ilusão de ótica. Só enxergamos as imagens se movimentando na tela porque somos portadores de uma deficiência visual chamada "persistência retineana", ou seja, uma característica do olho humano que faz com que uma imagem permaneça fixa na retina por algumas frações de segundos, mesmo depois de não estarmos olhando para ela. Nossos olhos não são capazes de perceber, durante a projeção, os intervalos que separam os fotogramas na cópia do filme. Fotogramas constituem uma série de fotografias paradas, cada uma das quais representando uma parte de um movimento completo. Quando aparece uma faixa negra, ainda estamos vendo o fotograma anterior, e continuamos vendo o fotograma que vem depois da faixa quando o fotograma seguinte toma o seu lugar. Isto quer dizer que uma sucessão de figuras (imagens) passadas torna-se capaz de mostrar a sensação do movimento contínuo. Atualmente a velocidade da filmagem é de 24 fotogramas por segundo.

O cinema é, também, conhecido como "a sétima arte". Esta expressão foi criada pelo crítico e estudioso de cinema Ricciotto Canudo , italiano radicado na França, e fundador do "Clube dos Amigos da Sétima Arte", e popularizada, no início da segunda década do século XX, época dos "filmes de arte" franceses, colocando o cinema no mesmo patamar de status do teatro, da música, da literatura, do balé, da pintura e da escultura. Esta denominação é bastante utilizada atualmente.

Segundo Louis Delluc, "o cinema é, talvez, a única arte realmente moderna, porque é ao mesmo tempo filha da máquina e do ideal humano".

A princípio, o cinema foi apenas uma maravilhosa invenção mecânica. Depois, sua linguagem evoluiu, a técnica e seus efeitos se sofisticaram, até chegar à fase atual, caracterizada por uma evolução dos temas, do conceito de personagem e do conceito de estrutura narrativa.

PRECURSORES:

A preocupação do homem com o registro do movimento é muito antiga. O desenho e a pintura rupestres foram as primeiras formas de representação da vida humana e da natureza registradas pelos nossos ancestrais, produzindo narrativas através de figuras.

Durante séculos, civilizações buscaram meios para produzir a realidade. A mais remota precursora do cinema de que se tem noticia é a Sombra Chinesa. Surgidas na China, por volta de 5.000 a.C., e difundidas na Índia e em Java, o jogo de sombras do teatro de marionetes oriental projetavam silhuetas de figuras humanas, animais ou objetos recortados sobre paredes ou telas de linho. O operador narrava a ação quase sempre envolvendo príncipes, guerreiros e dragões.

No século XV, Leonardo da Vinci enuncia o princípio da Câmara Escura. O invento é desenvolvido pelo físico napolitano Giambattista Della Porta, no século XVI, que consiste em projetar imagens numa caixa fechada, com um pequeno orifício coberto por uma lente. Através dele penetram e se cruzam os raios refletidos pelos objetos exteriores. A imagem, invertida, inscreve-se na face do fundo, no interior da caixa. A Câmara Escura permitia a projeção de imagens externas dentro de um quarto escuro.

No século XVII, o alemão Athanasius Kircher cria a Lanterna Mágica, que se baseia no processo inverso da câmara escura, composta por uma caixa cilíndrica iluminada à vela, que projeta as imagens desenhadas em uma lâmina de vidro. A Lanterna Mágica é considerada a precursora das sessões de cinema.

Nos séculos XVIII e XIX, o teatro em caixa é apresentado nas ruas e feiras. O apresentador, puxando fios, desenrola cenas iluminadas por velas. No fim do século XIX, as placas de lanterna mágica não são mais apenas pintadas à mão, mas podem ser recobertas de cromolitografias ou de fotografias. O teatro passa também por uma renovação, com os espetáculos do cabaré parisiense "Le Chat Noir", em que se projetam silhuetas em zinco, variando as cores e a intensidade luminosa.

SÉCULO XIX:

A invenção da fotografia pelos franceses Joseph- Nicéphone Niépce e Louis-Jacques Daguerre abre caminho para o espetáculo do cinema, que também deve sua existência às pesquisas do inglês Peter Mark Roget e do belga Joseph-Antoine Plateau sobre a persistência da imagem na retina após ter sido vista. Sendo o fenômeno da "persistência retineana" conhecido desde a antiguidade, o problema dos cientistas era descobrir o princípio da composição e decomposição do movimento a partir de uma série de imagens fixas. Em 1832, Plateau inventa um aparelho o fenacistoscópio, formado por um disco com várias figuras desenhadas em posições diferentes, ao girar o disco elas adquiram o movimento.

Durante todo o século XIX, inventores tentam produzir a ilusão do movimento. Em 1833, o britânico W.G. Horner idealiza o zootrópio, jogo baseado na sucessão regular de imagens. Em 1877, o francês Émile Reynaud cria o teatro óptico, uma combinação de lanterna mágica e espelhos para projetar filmes de desenhos numa tela. Na mesma época, Eadweard Muybridge, nos Estados Unidos, experimenta o zoopraxinoscópio, decompondo em fotogramas corridas de cavalos. Pesquisas posteriores sobre o andar do homem ou o vôo dos pássaros levam Étienne-Jules Marey, em 1887, ao desenvolvimento da cronofotografia, a fixação de fotografias de várias fases de um corpo em movimento, que é a própria base do cinema. Contudo, o inventor americano Thomas Alva Edison, desenvolve, com o auxílio do escocês William Kennedy Dickson, o filme de celulóide perfurado. E, em 1890, roda uma série de pequenos filmes em seu estúdio, o Black Maria, primeiro da história do cinema. Esses filmes não são projetados em uma tela, mas no interior de uma máquina, um aparelho para a visão individual de filmes chamado cinetoscópio.

A partir do aperfeiçoamento do cinetoscópio, os irmãos franceses Auguste e Louis Lumière idealizam o cinematógrafo, invento equipado com um mecanismo de arrasto para a película, conseguindo projetar imagens ampliadas numa tela. Na apresentação pública de 28 de dezembro de 1895, no Salão Indiano do Grand Café do boulevard des Capucines, em Paris, o cinema nascia oficialmente, o público viu, pela primeira vez, filmes como "A saída dos operários da fábrica Lumière" e "Chegada de um trem à estação", breves testemunhos da vida cotidiana. O cinema começava a dar os seus primeiros passos.

O CINEMA MUDO:

No início do século XX, a arte cinematográfica já era uma indústria, os filmes silenciosos divertiam o público com a força das suas imagens e das expressões dos atores. As cenas eram acompanhadas por instrumentos musicais e por pequenas orquestras e apresentavam legendas que explicavam as ações ou o diálogo dos personagens.

Desde a sua origem até o seu apogeu, o cinema mudo evoluiu. Os primeiros filmes eram curtos e rudimentares, apenas documentários sobre a vida cotidiana, marca dos irmãos Lumière; O gênero ficção foi introduzido pelo ilusionista, diretor, ator, produtor, figurinista e fotógrafo Georges Méliès, conhecido como o criador do espetáculo cinematográfico, que desenvolve diversas técnicas como: fusão, exposição múltipla, uso de maquetes, truques ópticos, precursores dos efeitos especiais. Dos trabalhos que marcaram destacam-se "O encouraçado Maine" (1898), "A caverna maldita" (1898), "A gata borralheira" (1899) e sua obra-prima mais conhecida "Viagem à Lua" (1902); Edwin Porter inaugura o western americano com "O Grande Roubo do Trem" (1903), e marca o começo da indústria do cinema; David Griffith estabeleceu a linguagem narrativa, seus maiores sucessos são "O Nascimento de uma Nação" (1915) e "Intolerância" (1916).

Escolas experimentais expandiram a estética do cinema e legalizaram a sua visão artística, como:

A Escola de Brighton, na Inglaterra: seus principais representantes foram James Williamsom e George Albert Smith que tinham predileção por filmagem ao ar livre, com luz natural, em amplos espaços. Esta tendência, combinada com o aprimoramento das técnicas de montagem e planificação, criou um tipo de filme envolvente e vibrante, entre eles se destaca "Attack on a China Station", de Williamson, onde a câmara não permanecia fixa, obedecendo o ponto de vista do espectador, fazendo com que o mesmo participasse da ação. Os ingleses são considerados os pais dos filmes de perseguição.

Na França com Charles Pathé e Ferdinand Zecca, que realizam filmes longos em que substituem a fantasia pelo realismo, com "Histoire d'um Crime"(1901) e "Lês Victimes de L'Alcoolisme"(1902). Seus filmes eram simples, diretos, claros e objetivos, e também, utilizavam doses de erotismo e aberrações; Léon Gaumont , montou uma fábrica de equipamentos cinematográficos, como o cronotógrafo, um equipamento que unia projetor e câmara ao mesmo tempo, o cronofone (1902), um sistema que tentava sincronizar o som dos filmes com um disco previamente gravado, e o cronochrone (1912), uma técnica que se utilizava de três cores para proporcionar a sensação de filmes coloridos. Gaumont produziu pequenos filmes; a primeira mulher cineasta, Alice Guy; secretária de Gaumont.

A Itália, produziu grandiosos espetáculos culturais. O filme mais conhecido foi "Cabiria"(1914), de Giovanni Pastrone, que utilizou cenários suntuosos com locações na Tunísia, Sicília e nos Alpes, alcançando sucesso internacional.

A Alemanha foi o berço dos filmes de terror. A série "Der Golen"(1914), de Paul Wegener é tido como um clássico do terror antigo.

A Rússia se destaca com experiências pioneiras, como o "stop motion", efeito de
animação através de filmagem quadro a quadro. Um dos filmes mais conhecidos é "A Bela Leukanida"(1912), de Wladyslaw Storewicz, que usa bonecos animados.

O expressionismo alemão, o construtivismo Russo e o Surrealismo Espanhol surpreenderam com sua complexidade e inovação.

O expressionismo alemão: a obra que inaugurou e até hoje simboliza o expressionismo no cinema é o "Gabinete do Dr. Caligari"(1919), de Robert Wiene. As perspectivas distorcidas, os cenários grosseiros, móveis, que não se encaixavam na anatomia humana, um forte jogo de luzes e sombras, e uma aberta discussão sobre a sanidade e a loucura, transformou o filme numa obra obrigatória dos cursos de cinema e em todas as listas dos mais importantes filmes do século. Outro gênio do expressionismo alemão foi Fritz Lang, uma das suas obras-primas foi "Metrópolis"(1927), o mais caro filmes já rodado na Alemanha. A visão futurista do homem dominado pelo sistema capitalista até hoje impressiona. Os gigantescos edifícios, pontes, viadutos e construções dispostas de forma caótica, cria um ambiente claustrofóbico.

O construtivismo russo: "Greve" e "Encouraçado Potemkim", ambos de 1925, de Sergei Eisenstein, revoluciona a arte e a técnica da montagem, imprimindo em seus filmes um ritmo e uma riqueza visual jamais apreciada até então. Este último filme colocou a União Soviética no mapa do cinema e fez de Eisenstein uma celebridade do dia para a noite.

O surrealismo espanhol: com Luis Bǔnuel e Salvador Dali. A produção "Um Cão Andaluz"(1928), mostra uma série de imagens chocantes, aparentemente sem conexão umas com as outras.

Com a primeira guerra mundial, o cinema se concentrou nos Estados Unidos. Em Hollywood, na Califórnia, nasceram os primeiros grandes estúdios, como a Universal, a Keystone, a Paramount, Fox, United Artists, Columbia, entre outros. A denominação "estrela" passou a consagrar e a imortalizar mitos como Douglas Fairbanks, Mary Pickford, Rodolfo Valentino, John Barrymore, Theda Bara, Gloria Swanson, Greta Garbo, entre muitos. Os reis da comédia Max Linder, Mack Sennett, Charles Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd, Stan Laurel e Oliver Hardy ( a dupla "o gordo e o magro") e diversos outros, ampliaram e solidificaram o cinema como o mais popular das diversões.

Exatamente quando a imagem silenciosa alcançava o seu ápice, o cinema começava a falar.